ESTRANHAMENTO E TERROR EM “O ILUMINADO”

Quando pensamos em filmes de Terror o que logo nos vem à mente são fantasmas, corpos sendo esquartejados, histórias misteriosas, serial killers e outros elementos constitutivos de filmes que pretendem prender a atenção de quem os vê pela veia apelativa do modo como é contada a história. O suspense é deixado de lado para se trazer a tona sustos desmedidos acompanhados de uma escandalosa trilha sonora que só faz redundar o que já é expresso pelo meio imagético. As histórias geralmente começam sem a tensão de um filme de terror; é comum filmes de terror baratos começarem com amigos em acampamentos, festas, viagens, e no momento posterior todos já estão sendo perseguidos por forças sobrenaturais, loucos munidos dos mais variados objetos cortantes, num esquema antitético de “não tensão X tensão” colocado de forma escancarada, pronta para qualquer público médio entender, priorizando a ação, não a atmosfera de suspense.

Deixemos de lado as receitas prontas para pensar o que faz com que O Iluminado (1980) seja um exemplar do Terror e do Horror como opção estética e não apenas mercadológica. Saber que O Iluminado foi dirigido por Stanley Kubrick, diretor de filmes considerados obras de arte como Laranja Mecânica (1972) e 2001 – Uma odisseia no espaço (1968), e baseado no livro de mesmo nome do escritor Stephen King, outro mestre do suspense, já seria o bastante para considerá-lo um clássico, mas vamos aos elementos que compõe e justificam essa classificação.

Jack Torrance, representado no filme por Jack Nicholson, é um escritor em crise, ex-alcoólatra, que vê no emprego de zelador do Hotel Overlook a possibilidade de se refugiar do mundo a fim de retomar sua atividade literária. Junto com ele, nesse refúgio de inverno, seguem sua esposa Wendy e seu filho Danny, criança dotada de poderes sobrenaturais que se comunica com uma voz interna que dizia ser outra criança, além de se comunicar com outras pessoas de mesmo dom, os “iluminados”, que sugere o nome da obra. É no isolamento do Hotel Overlook, construído sobre um antigo cemitério indígena, que Jack Torrance, atormentado pela falta de criatividade, por transtornos psíquicos, enlouquece e tenta matar a mulher e o filho.

Desde a primeira cena, do primeiro acorde da trilha sonora, já temos uma sensação de sufocamento e desconforto, nada aconteceu ainda e já nos sentimos presos pela atmosfera de horror que envolve todo o filme, já estamos presos a algo que ainda não sabemos muito bem o que é, mas que de certa forma nos incomoda. Não há a relação dita anteriormente de “não tensão x tensão”, há pontos de tensão variados, não havendo momentos de não-tensão. Instaurada logo de início de modo menos intenso só vai se desfazer, se é que ela se desfaz, ao final do filme. 

A causa desse sufocamento e desconforto foi proposto por Freud em seu ensaio “Das Unheimliche” em que ele aborda o porquê do caráter inquietante de determinadas situações, sistematizando os apontamentos de Ernst Jentsch, que poderia ser, a grosso modo, passado para o português como “estranhamente familiar”, algo que é comum a todos nós, que deve permanecer secreto, oculto, mas que vem a tona desencadeado por circunstâncias detonadoras que serão vistas mais a frente e que servirão de base para analisar o comportamento psicótico de Jack Torrance. 

Um dos recursos mais bem sucedidos para se criar o estranhamento em uma narrativa, de acordo com Jentsch, é deixar o leitor, ou espectador, na incerteza de algo. Logo no início já percebemos a estranheza do comportamento de Jack, algo ali não está bem certo. Na entrevista de emprego, quando é contada a história do zelador que matou a família a machadadas matando-se logo depois com um tiro na boca, Jack reage como se isso fosse algo comum, a impressão é que em nada lhe afetou uma história que deixaria qualquer outro aterrorizado. Logo depois, com muita naturalidade (e estranheza), ele conta ao filho a história de uma família que, para sobreviver ao isolamento causado pela forte nevasca, tem que praticar atos de canibalismo. 

É nesse momento que surge a incerteza desencadeadora do processo de estranhamento. Jack não possui reações “normais” perante aos fatos, algo ali já nos parece estranho e perturbador. Já estaria ele afetado por alguma enfermidade psíquica? Ou por alguma entidade espiritual? A viagem e o isolamento seriam um pretexto para o assassinato da família? 

A incerteza sobre o comportamento de Jack é o que prende a atenção do espectador tornando-se um elemento importante para a caracterização da atmosfera de estranheza. O estranho, num primeiro momento, está ligado ao fato de não saber se Jack já estava louco ou se ficou louco após o isolamento. 

Após o isolamento, o comportamento de Jack se intensifica e podemos pensar nos motivos desencadeadores ditos por Freud que podem nos dar uma luz do porque de sua loucura e porque nos sentimos desconfortáveis com tais reações. O personagem Jack contempla as circunstâncias detonadoras de um desarranjo psicológico que é comum a todos nós. O primeiro é o medo da castração.

Para conseguir se manter, Jack aceita um emprego que certamente o faz se sentir rebaixado: de escritor a zelador. No entanto, vê no isolamento a possibilidade de retomar a carreira literária que já não anda bem. Assim, pode aliar duas possibilidades em uma só: a carreira de escritor, estando isolado do mundo em um trabalho que não exige muito fisicamente ele pode se dedicar a escrever; e garantir o sustento da família justamente com um trabalho pouco exigente. 

Numa crise de criatividade sua esposa o interrompe, causando grande stress em Jack que a trata de maneira estúpida, rasgando o que havia acabado de escrever. Quando novamente sua esposa o procura dizendo que uma mulher estrangulara seu filho e que seria melhor levar Danny embora, ou seja, deixar o Hotel, Jack reage agressivamente dizendo: É tão típico de você [Wendy] criar um problema assim quando eu realmente tenho a chance de conseguir alguma coisa, quando eu estou dedicado ao trabalho. Várias carreiras estariam a minha espera se voltássemos agora, não é? Tirando neve de portas, ou talvez lavando carros. Essas coisas atraem você? Wendy, até aqui eu deixei que você estragasse a minha vida, mas eu não vou deixar que você estrague isso também.

O medo da castração é algo que está em todos nós e somos castrados porque não existe a completude, porque somos regidos por algo que não conhecemos – o inconsciente – porque somos guiados por instintos que não nos levam a um objeto específico e eficaz, mas que nos guiam por diferentes pulsões que nos faz errar eternamente, transitando de objeto em objeto a fim de garantir a satisfação de nossos desejos. O medo de ser castrado, ou seja, de perder seu poder e de não ver realizado o desejo, gera uma emoção particularmente violenta e obscura. 

É isso o que acontece com Jack. Diante da possibilidade de perder suas duas chances de voltar a ser bem sucedido – objeto de seu desejo - de não ser mais um fracassado escritor nem um mero zelador de temporada, ele se torna violento, prometendo que nada o afastará de seu caminho. 

Em outra discussão com a esposa ele levanta sempre a questão de suas responsabilidades para com os patrões que depositaram confiança em seu trabalho; Jack não pode falhar, isso seria a comprovação de que ele é um fracassado, ao contrário de seu filho, que como o zelador fantasma diz “possui grandes qualidades”. Ele não possui grandes qualidades, seu filho sim, por isso tem que “aprender uma lição”. 

Um fato curioso chama a atenção: Jack Torrance é interpretado por Jack Nicholson, Danny é interpretado por Danny Lloyd, ambos interpretam personagens com seus próprios nomes. Esse fato poderia passar despercebido, mas se tratando de Stanley Kubrick, nada é por acaso. Há uma relação conturbada entre Jack e seu filho Danny e esse fato pode ter sido usado pelo diretor para reforçar o conflito entre os dois. A atenção da mulher recai toda sobre o menino que consegue ser notável, algo que Jack não consegue ser; o menino possui grandes qualidades, Jack, se as possuía, aparentemente não as possui mais. Para voltar a ter sucesso precisa eliminar aquilo que se apresenta como um obstáculo a essa realização, ou seja, seu próprio filho.

A incerteza é algo fundamental para a criação da atmosfera de Terror em O Iluminado, como já foi dito anteriormente. A dúvida sobre o que é real ou o que é puramente fantástico na obra nos deixa sem ter em que apoiar para tirar conclusões. Quando Jack conversa com os espíritos, podemos notar sempre a presença de um espelho, o que indica que o fantasma com que Jack conversa é apenas uma projeção do seu próprio ego, que Freud chama de “duplo”. 

Esse duplo é criado pelo inconsciente a fim de preservar a integridade do ego, para que ele não seja destruído. Jack, sendo ele mesmo, é tão covarde e incapaz que não consegue eliminar seu filho e sua esposa para atingir seus dois objetivos finais: cuidar do hotel e retomar sua carreira de escritor. Para conseguir tal feito, ele se projeta no personagem do zelador Delbert Grady que matou as filhas e a mulher, num processo de identificação, a fim de dar forma à realidade para um ego, criando assim outro ego, capaz de assumir as responsabilidades de tal ato. São esses “fantasmas” que o encorajam a cumprir a qualquer custo suas metas.

Sendo assim, poderíamos justificar de modo racional a aparição dos fantasmas como sendo fruto da mente de Jack. No entanto, num determinado momento, Jack é preso na despensa pela esposa. Após dormir acorda sendo chamado pelo fantasma do antigo zelador. Esse fato nos leva a pensar que esse chamado nada mais é do que uma alucinação auditiva, fruto de um distúrbio psíquico. Contudo, após a conversa em que o fantasma do zelador duvida da capacidade de ação de Jack, a porta se abre sozinha, sem a intervenção aparente de alguém ou algo “real”. Como poderia uma projeção do ego de Jack abrir uma porta trancada pelo lado de fora? É aí que novamente a incerteza nos aparece como mecanismo de estranheza e coloca O Iluminado como sendo uma obra ímpar do Terror.

Partindo para a área da interpretação através da semiótica, encontramos Greimas que desenvolve uma reflexão acerca dos mecanismos de produção de sentido. Em seu “Da Imperfeição”, Greimas aponta a descontinuidade no discurso, a fratura no cotidiano, como sendo o detonador de uma nova situação que gera o estranhamento no leitor, e aqui no caso, no espectador.

Pensando nessa ruptura, na fratura do cotidiano, podemos entender que o isolamento de Jack e sua família seja o desencadeador do estranhamento. Mas é aí que as teorias que poderiam explicar o estranho n’O Iluminado novamente não são suficientes. A ordem e a previsibilidade não se sustentam no filme.

Como já foi dito, Jack não se tornou estranho para nós após a ida para o Hotel Overlook, e a fratura sugerida por Greimas não traz a tona esse estranhamento, ela potencializa o estranhamento. Algo no comportamento do personagem já causava um desconforto, que se torna apenas mais intenso após a reclusão.

Tanto a teoria de Freud, como a teoria de Greimas não dão conta de explicar o estranhamento causado pelo filme O Iluminado. Se o fantasma do zelador é uma projeção do ego de Jack, como aponta Freud em sua teoria do “Duplo”, como teria conseguido essa projeção abrir a porta da despensa? Se o isolamento no Hotel Overlook pode ser entendida com a fratura no cotidiano de que fala Greimas, porque temos a sensação desde o início do filme de que algo já está errado com Jack?

Se desconsiderarmos totalmente o sobrenatural, poderíamos pensar que Danny, ao ouvir o pai conversando dentro da despensa, teria aberto a porta para que ele saísse, assim como poderia ter provocado os hematomas em si mesmo. No entanto, não nos é dado nenhum tipo de pista para embasar esse argumento. As alucinações são particulares de cada personagem: Jack tem visões muito sofisticadas, próprias da imaginação de um escritor, que podem ter sido influenciadas pela história que ouvira na entrevista de emprego. Danny tem visões próprias do seu dom, mesmo sem conhecer a história que envolvia o Hotel, consegue ver as meninas mortas, o que prova que ele é um “iluminado” e o único que pode salvar a todos. Wendy passa a ter visões depois de passar por um stress muito grande; a perturbadora cena em que ela vê um homem vestido de urso fazendo sexo oral em um hóspede mistura o mundo infantil com o mundo adulto, revelando o fim da inocência, da moral e da pureza.

As teorias abordadas até aqui nos dão pistas do porque O Iluminado causa tanto desconforto, estranhamento e tensão, mas o filme vai além; as teorias servem de base para uma compreensão profunda sobre o filme, mas não completa. Alguns elementos ainda nos causam estranheza sem que sua explicação seja contemplada por essas teorias. A racionalidade não explica tudo e temos que partir para o mundo do fantástico, aceitando esse cenário como sendo real e particularmente estranho pelo tempo em que somos envolvidos por ele.

Freud nos orienta no sentido de que se “o escritor cria uma espécie de incerteza em nós, a princípio, não nos deixando saber, sem dúvida propositalmente, se nos está conduzindo pelo mundo real ou por um mundo puramente fantástico, de sua própria criação (...) ele tem, de certo, o direito de fazê-lo e nós devemos nos curvar à sua decisão e considerar o cenário como sendo real, pelo tempo que nos colocarmos em suas mãos”. Assim sendo, se Shakespeare, por exemplo, nos oferece uma obra povoada por espíritos, fantasmas e demônios como em Hamlet e Macbeth, ou em sentido diferente como em A Tempestade e Sonho de uma noite de verão devemos aceitar cada uma a seu modo, respeitando a vontade do escritor ou do diretor.

Sendo assim, além do que já foi contemplado pelas teorias esboçadas acima, o que mais nos causa estranhamento em O Iluminado?

Comecemos pelo diretor. Kubrick, perfeccionista e obsessivo, dirige seus filmes quase de maneira insana, tentando tirar tudo o que uma equipe pode dar. Passou por todas as etapas da confecção de uma obra cinematográfica: fotógrafo, diretor, montador, assistente de montagem, editor de som, o que fez com que ele tivesse autoridade para colocar sua genialidade em vários aspectos de um filme.

Os cenários grandiosos e ameaçadores, os planos muito abertos que nos dão uma sensação de vazio e insegurança, o labirinto que reforça a ideia de Jack ter se perdido em sua própria mente. A câmera que corre pelos corredores labirínticos do Hotel atrás do menino com seu velotrol nos deixa em pânico a cada curva. No entanto, é a trilha sonora que merece destaque.

Estamos acostumados a ser conduzidos através da palavra, pois ela nos dá a direção do desenvolvimento da trama e acesso aos sentimentos dos personagens. No entanto Kubrick segue por outro lado. Não é o diálogo que conduz a trama; o diálogo é apenas uma das opções para conduzi-la, mas existem outras, inclusive a trilha sonora. A trilha sonora não serve como um complemento que apenas realça o que o meio imagético comunica, tocada em segundo plano para enfatizar as ações, emoções ou diálogos dos personagens, ela é colocada no mesmo plano da imagem, possuindo vida própria e narrando uma história a parte. 

Exemplo disso é que acontece em 2001 - Uma odisseia no espaço. O filme possui 141 minutos, sendo que apenas 40 são de diálogos. O que sobra são ruídos, música, respiração e silêncio, como parte integrante de uma narrativa a parte, que caminha lado a lado com a imagem, num processo de coordenação, não de subordinação.

O som desconexo com a imagem mexe com o circuito da mente do espectador. Podemos perceber isso em um ótimo exemplar, também dirigido por Stanley Kubrick: Laranja Mecânica. Algo estranho é despertado em nós no momento em que um escritor é violentamente espancado enquanto sua esposa é estuprada ao som de “Singin in the rain”. A parte auditiva do cérebro não entende aquela música de modo agressivo, sua estrutura melódica e rítmica não nos conduz a um estado de excitação ou violência; no entanto, a visão nos mostra algo completamente diverso daquilo que ouvimos; vemos uma coisa e ouvimos outra que não reforça o que se vê. A junção de dois sentidos trabalhando de modos opostos cria uma terceira percepção que nos causa um estranhamento.

N’O Iluminado a maneira como a trilha sonora causa um estranhamento difere dos outros filmes citados. Ela não age em um esquema antitético como em Laranja Mecânica, mas é responsável pela manutenção de um estado de tensão, ou seja, ela não apenas reforça as cenas que por si só já causariam um stress emocional no espectador, mas tem o poder de nos deixar apreensivos mesmo quando aparentemente nada está acontecendo no meio imagético. Na ausência de imagens que causam terror como espíritos e aparições, a trilha fica responsável por essa função. Isso mostra que a trilha pode ser um elemento a parte na criação de uma atmosfera de terror sem ter que apenas enfatizar as cenas mais intensas.

A história de arrepiar criada por um dos maiores mestres do suspense, Stephen King, que explora os medos humanos, oferece recursos ricos que se sustentam na passagem para o meio cinematográfico. Um lugar afastado e desprotegido, o medo não de um monstro, de um ser de outro planeta, de uma epidemia, mas de um membro de sua própria família, que deveria oferecer proteção. Acabamos criando uma proximidade com os personagens e o terror é despertado em nós quando percebemos que estamos indo para o mesmo caminho, perdidos no labirinto dos espaços vazios, no ambiente gelado e sem proteção.

 

A atmosfera que transita entre o real e o fantástico nos leva para um mundo cheio de incertezas. Stephen King consegue criar algo parecido com o que fez James Joyce, Tchékhov, Virgínia Woolf e Katherine Mansfield em seus contos de atmosfera.

Muitos são os elementos passíveis de análise dentro de um filme com a complexidade de O Iluminado. Passamos por seu escritor, pela mente brilhante de seu diretor, encontramos respostas nas teorias de Freud e de Greimas, que, ao mesmo tempo em que responderam, também levantaram questionamentos. Exploramos outras possibilidades, como o fantástico; foi preciso analisar elementos internos do filme como planos de câmera, trilha sonora, cenários, etc. Tudo isso ainda não dá conta de uma total explicação de uma obra como essa, mas com certeza são elementos que não podem ser desprezados na construção de um sentido de estranhamento típicos de um bom filme de Terror. 

Enquanto nos sentirmos incomodados pelo terror barato e medíocre oferecido pelos blockbusters, O Iluminado continuará sendo uma expressão máxima desse estilo, passível de muitas e muitas interpretações.

“All work and no play makes Jack a dull boy”

O sabor do texto de Milton Hatoum

Depois de um longo período sem publicações, volto agora com a análise do texto saboroso e bem temperado de “Dois Irmãos”, do escritor nascido em Manaus que nos transporta para esse mundo manauara tão bem conhecido por ele e tão distante de nós.

A trama gira em torno da tumultuada relação entre dois irmãos gêmeos, Yaqub e Omar, em uma família de origem libanesa que vive em Manaus.  Esse tema da briga entre dois irmãos é tão antiga quanto as histórias bíblicas como a de Caim que mata Abel, a história de Esaú e Jacó, que mais tarde é retomada por Machado de Assis, e mais recentemente em Mulheres de Areia com a história de Ruth e Raquel.

O romance narra a ascensão e decadência de uma família libanesa em Manaus, desde o ciclo da borracha até a industrialização e modernização. Junto com a modernização vem a descaracterização dos costumes e a decadência da família de Halim, a perda de identidade e a perda da memória. A venda de Halim que antes só vendia produtos da região, com o passar dos anos vai cedendo espaço para os produtos vindos de São Paulo e a filha Rania vai incorporando esse espírito “empreendedor” recorrente da região paulista, transformando-se em uma venda como outra qualquer, com produtos que podem ser encontrados em qualquer hipermercado. Perde-se a noção de exclusividade. Yaqub, o filho engenheiro e bem sucedido, mostra como o outro lado do país é melhor desenvolvido, tem mais vínculo com a modernidade, enquanto que ali só se vende os mesmos produtos.

Hatoum toca em pontos complicados das relações humanas. Narrado por um personagem que analisa a vida das personagens ao seu redor. Filho da empregada, agregado dos quartos no fundo de casa, não se intromete na vida dos patrões, mas acompanha tudo bem de perto, procurando em cada história juntar as peças do quebra cabeça de sua própria vida; quem seria seu pai: Omar ou Yaqub? Seria ele fruto de um estupro cometido por Omar ou de uma relação rápida, porém carinhosa, entre a mãe e Yaqub?

Novamente o embate entre os irmãos se faz presente. Vemos por meio de seus olhos a relação incestuosa entre os irmãos com a irmã mais nova e até com a própria mãe, ambas motivos pelo embate entre eles; a figura melancólica de Halim que vê sua imagem se desconfigurando com o passar dos anos, sendo deixado de lado como uma poltrona velha e empoeirada, cedendo lugar no coração de Zana a seus filhos. O que o narrador Nael não vê, fica sabendo através da conversa que tem com os vários personagens, testemunhas recíprocas de suas histórias.

Entre os vários personagens que transitam num colorido de personalidades, Hatoum escolhe um em especial para fazer uma referência à ditadura. Laval, professor do Liceu Rui Barbosa, admirador de poetas simbolistas franceses e defensor da liberdade, é covardemente assassinado em praça pública pelos militares. A passagem sobre sua morte é de uma poesia imensa, se tornando uma das partes mais comoventes ao nos mostrar a repressão e a violência causada pela Ditadura Militar.

Além dos temas complicados explorados por Hatoum, o que mais impressiona em seu texto é a linguagem utilizada que explora a pluralidade de enfoques, trabalha termos que migraram para a língua portuguesa pelo contato com a cultura árabe, com o Tupi e outras línguas:

“O homem que deixara a clientela do restaurante manauara com água na boca já era um exímio cozinheiro na sua Biblos natal. Cozinhava com o que havia nas casas de pedra de Jabal al Qaraqif, Jabal Haous e Jabal Laqlouq, montanhas onde a neve brilhava sob a intensidade do azul. (...) E quando visitava uma casa à beira mar, Galib levava seu peixe preferido, o sultan Ibrahim, que temperava com uma mistura de ervas cujo segredo nunca revelou. Nos restaurante manauara ele preparava temperos fortes com a pimenta-de-caiena e a murupi, misturava-as com o tucupi jambu e regava o peixe com esse molho. Havia outros condimentos, hortelã e zatar, talvez.” (p.63)

O autor explora o olhar para a Amazônia, quem vê de fora a vê de uma forma idealizada, exótica. Para o autor, narrador e personagens ela se apresenta com a lucidez melancólica de quem conhece o calor e a chuva, as águas, as frutas, pássaros e peixes, cheiros, etc. É esse estranhamento (apenas para quem é de fora) que traz a tona o regionalismo.

A ficção brasileira nasce na busca de uma expressão nacional: José de Alencar, Machado de Assis, Aluísio Azevedo, Lima Barreto, Monteiro Lobato, etc. Exploração do homem no campo (Graciliano Ramos e a geração de 30 no nordeste), Érico Veríssimo no Sul e Guimarães Rosa.

A região amazônica também teve seus representantes que buscavam logo de início, com o título das obras, indicar a diferença como eram os livros de Peregrino Júnior (Pussanga -1929 e Mutupá -1933), Abguar Bastos (Terra de Icamiaba – 1937), Raimundo de Morais (Os Igaraúnas – 1938) e Dalcídio Jurandir (Marajó – 1947, Três casas e um rio – 1956, Belém do grão Pará – 1960).

No entanto, foi com Mário de Souza, em 1970, que essa narrativa ganhou expressão com o livro Galvez, o imperador do Acre (1976). Nesse livro ele tenta explorar para manter as peculiaridades culturais amazônicas como rituais e encenações indígenas. No romance mais recente Lealdade (1997) ele explora o romance histórico e narra a formação histórico-política da Amazônia. É nessa linha que segue o romance de Milton Hatoum.

O regionalismo de Hatoum está na mescla desses elementos regionais tão bem conhecidos dele e tão bem preservados na narrativa de Dois Irmãos, explorado um arco temporal que abrange várias décadas, dando conta de criar a imagem de uma sociedade com começo, meio e fim. Junto a isso temos a inspiração urbana e européia, que foram responsáveis pela formação de nossa literatura, a construção de personagens densos e bem estruturados, com suas angústias e vivências que os fazem ser universais, assim como personagens de Guimarães Rosa e Graciliano Ramos.

Em uma palestra realizada em 2010 na Faculdade de Ciências e Letras Campus Araraquara (UNESP), o escritor respondeu que não se considerava um regionalista quando lhe foi perguntado sobre a presença regionalista em sua obra. O intuito desse post não é problematizar essa questão, mas mostrar como é forte a presença desse mundo para nós imaginado e despertar o gosto por esse texto em algum possível leitor do blog. Diante disso, vale a pena encerrar com uma célebre frase de Tolstoi: “Se queres ser universal, fala da tua aldeia”. Isso Milton Hatoum fez muito bem.

Fahrenheit 451 – Estaríamos nós queimando livros?

 

Começo do ano, mês de Janeiro, todos de férias cheios de nada pra fazer e eis que surge o BBB 12. Euforia para todo lado, uns defendem; outros criticam; alguns criticam os que defendem e, os que defendem acusam os que criticam de falsos intelectuais. Por isso esse post não está atrasado cinco meses e sim adiantado seis meses justamente para não ser acusado nem defendido por nenhum fanático. A distância temporal, tanto do que se passou quanto do que há por vir, me garante certa isenção para começar meu assunto a partir do famigerado BBB.

No calor da discussão via Facebook, circulou uma montagem com os dizeres “A cada vez que você assiste BBB um livro comete suicídio”. O que essa montagem queria dizer era justamente o que a MTV disse durante bastante tempo com o seu “Desligue a televisão e vá ler um livro”, deixando de exibir sua programação normal para deixar uma tela preta com essa frase, no intuito de que se aproveitasse esse tempo sem programação para ler algo. Não vamos discutir aqui a validade dessas manifestações. Em um país onde a televisão chegou antes de se criar o hábito da leitura, romper com essa “tradição” não é tão simples assim.

O intuito desse texto é discutir, partindo dessa imagem de “protesto”, a relação leitura vs cultura de massa, analisar um filme que aborda com mais profundidade essa relação e outros temas como a dominação dos meios de comunicação: Fahrenheit 451 é baseado no romance homônimo de Ray Bradbury e dirigido por François Truffaut em 1966. No filme não há o suicídio dos livros, mas uma alegoria próxima a essa; no filme há a queima dos livros.

 

O fato de queimar um livro pode ser interpretado como o desprezo e descaso que a sociedade tem pelo mesmo, e isso se dá não só pela opção de se assistir a um programa de televisão. A leitura não é algo instigado pelas escolas ou pela televisão (maior meio de comunicação disputando, talvez, esse posto com a internet). Não há a disseminação da ideia de que a leitura é importante para a formação de um cidadão reflexivo e crítico, e quando há algo relacionado à literatura nas escolas é dado de maneira desinteressada e chata por parte de alguns professores, que mesmo no posto em que estão não acreditam naquilo que lecionam.

O governo não investe em educação e leitura e consequentemente queima livros quando deixa de criar bibliotecas, quando deixa de criar programas que incentivem a leitura ou que permita o acesso aos livros por parte da população de baixa renda, que não dá subsídios para que os livros sejam mais baratos e acessíveis e nesse ponto as editoras também queimam seus próprios livros.

Nós, estudantes de letras, queimamos nossos livros cada vez que deixamos de ler uma obra e interpretá-la de acordo com nosso ponto de vista para ler apenas a crítica e reproduzi-la como se a leitura dos teóricos fosse a única e absoluta verdade acerca da obra em pauta. Todorov, em seu livro “Literatura em perigo” critica esse “hábito” dos professores de priorizarem a teoria a respeito das obras em vez de fazer com que os alunos apreciem a obra, se deliciem com o primeiro contato, sem que esse seja intermediado por um teórico ou até mesmo pelo próprio professor. Depois desse primeiro contato com a literatura de fato, depois das primeiras impressões o aluno procuraria embasamento teórico para enriquecer o conhecimento a respeito do que foi lido. Sabemos que nem sempre é assim que acontece.

Em um primeiro momento podemos ter a ideia de que a narrativa apresenta uma sociedade extremamente autoritária contra a liberdade de expressão, fazendo uma clara referência aos sistemas rigorosos e endurecidos que estavam se instalando em várias partes do mundo. Essa é uma das leituras que se pode fazer da obra. A outra, no entanto, que mais nos interessa, é a relação entre literatura e cultura de massa.

A cultura de massa, através dos meios de comunicação de massa, principalmente a televisão, transforma a cultura dita clássica ou erudita em um produto de mais fácil acesso às classes mais baixas, tornando-a mais fácil, mais compreensiva, acessível a todos, homogeneizando-a e simplificando-a para aproximá-la do gosto médio.

No filme temos a caça aos livros pelos bombeiros e a idolatria da televisão por parte da personagem Linda. A televisão substituira o livro e vários podem ser os motivos. Após o invento da fotografia e consequentemente do cinema e da televisão, a sociedade passa a se guiar muito mais pela imagem e, principalmente, da imagem em movimento, que não exige um esforço, seja ele de atenção, inteligência, sensibilidade ou memória, como cita José Paulo Paes no livro “A aventura literária”.

Com isso, percebemos que a cultura de massa, representada no filme pela televisão, tem o papel de afastar as pessoas da literatura, como a televisão destrói o interesse pelos livros. Na televisão tudo é mais fácil, em uma ou duas horas consegue-se apreciar um romance ou uma história de suspense que um livro precisaria de trezentas, quatrocentas páginas ou mais para contar, ganha-se tempo e perde-se em qualidade.

Podemos pensar o filme também considerando sua época de lançamento. O filme é da década de 60 e ela pode ser pensada em duas metades: a primeira metade mais idealista, marcada pelos ideais de liberdade e mudança iniciados nos anos 50. Na segunda metade perde-se essa inocência e parte-se para um movimento de mudança mais agressivo, trazendo consigo a revolução sexual, as experiências com drogas, os protestos estudantis, etc. O medo da repressão por parte dos governos também se torna uma constante nessa época. No Brasil temos o golpe de 64 e em 69 o pior ato contra a liberdade de expressão, o AI-5.

Esse “medo” da repressão, ou somente a possibilidade dela, é o que conseguimos perceber no filme. Uma sociedade extremamente manipulada em que a liberdade de expressão é totalmente censurada. Os cidadãos não têm direito mais a sua individualidade, e podemos perceber isso quando jovens com os cabelos longos são presos e tem os cabelos cortados.

A mídia manipula a opinião social, fazendo-a acreditar que os perigosos criminosos estão sendo devidamente punidos, tudo em nome da paz e da liberdade dos homens de “bens”, é a repressão pela liberdade. Os livros são deixados de lado pois o governo entende que eles são perigosos demais e podem influenciar a opinião das pessoas, fazendo com que elas se rebelem contra o estado, e esse passa então a controlar os meios de informação.

Guardadas as devidas proporções, se pensarmos na sociedade de hoje como sendo a sociedade do futuro imaginada no filme da década de 60, percebemos cada vez mais a rapidez com que as pessoas buscam informação e divertimento deixando de lado a reflexão e o pensamento, tudo está a um clique, estão todos muito cheios de nada, cheios de vazio, há muita informação e pouco conhecimento, opiniões borbulham por todos os cantos da internet, há um falatório sem sentido e sem embasamento, todos se acham críticos de cinema, de música, de literatura, todos podem criticar um vídeo no youtube ou um post em um blog qualquer de acordo com o “conhecimento” adquirido há segundos atrás na Wikipédia.

Podemos fazer uma síntese desses dois tempos a partir do pensamento de dois escritores que pensaram em sociedades a frente de seu tempo. A década de 60 pode ser comparada ao pensamento do escritor George Orwel, que tinha medo de que os livros fossem censurados por um estado autoritário que não permitiria o acesso das pessoas aos materiais que julgasse contra as regras da sociedade que impunha. Os dias atuais podem ser comparados à ideia de Aldous Huxley, que acreditava que não seria necessário um governo proibir o acesso aos livros porque as pessoas sozinhas não teriam interesse em lê-los. Estamos em uma época em que temos mais acesso à informação e conhecimento do que qualquer outra na história da humanidade - acesso a filmes, livros, música em um clique - e em que menos pessoas fazem um uso dessa vantagem para algo realmente produtivo e útil para si e para a humanidade, basta pensar no que são as “Luísas” e “Para nossa alegria” que nos atormentam a cada semana. 

A imagem abaixo ilustra bem a ideia dos dois autores. Para ver a comparação completa, acesse o site: http://oitudoemcima.com/2010/08/30/aldous-huxley-x-george-orwell/.

A já citada Linda Montag tem um papel muito importante na obre. Esposa de Guy Montag, apresenta uma antítese ao papel da personagem Clarisse Maclellan, vizinha que o conhece nas diárias viagens de trem comuns aos dois. Enquanto Linda é vazia de pensamentos, superficial no modo de falar e de se expressar, depressiva - embora tente a todo o momento mostrar que é feliz – tenta se enquadrar e ser aceita pelos membros de uma sociedade que vive de aparência e de relações fúteis e sem conteúdo, Clarisse, agindo de modo contrário, é uma mulher feliz, bem resolvida, extrovertida e questionadora.

Linda representa o senso comum, facilmente influenciável pelas opiniões de massa. Tenta manter a todo custo as aparências, como se nada tivesse acontecido ou acontecendo, aceita de maneira fácil e sem questionamento os fatos que a rodeiam. Ela não concorda com o marido quando ele começa a questionar os acontecimentos a sua volta ou quando ele resolve, por curiosidade, ler os livros que rouba antes que sejam incendiados.

Podemos compará-la com Meryl, esposa de Truman em “O show de Truman”. A todo o momento ela tenta passar uma falsa ideia de que tudo está correndo bem e de que deve permanecer assim, nada deve ser mudado e Truman deve desistir de seus pensamentos questionadores e libertários. Em Fahrenheit, Linda talvez nem tenha consciência do lugar onde vive e de qual sua função social, e opta por manter tudo como está simplesmente por ser mais fácil ou por desconhecer outra “realidade”. Em “O show de Truman”, Meryl tem que manter Truman em seu “caminho planejado” por motivos comerciais, pois do contrário o reality acabaria.

O papel de Clarisse Maclellan já é justamente questionar a realidade que a cerca e despertar o senso crítico no personagem principal, Montag. Sylvia, em “O show de Truman”, tem o mesmo papel antitético de Clarisse. É ela quem desperta os primeiros pensamentos questionadores de Truman, também personagem principal, e é a partir desse primeiro estímulo, dado tanto por Clarisse em Fahrenheit, quanto por Sylvia em “O show de Truman”, que os dois personagens principais começam a mudança de uma atitude ignorante, do senso comum, para uma atitude mais “filosófica”, questionadora, que busca a verdade.

O filme nos mostra, entre outras coisas, de modo mais aprofundado o que o suicídio dos livros citados na montagem representa. No entanto, não podemos ser tão críticos com os que assistem o BBB ou qualquer outro tipo de entretenimento vazio, muitos ainda são Linda Montag, outros começam a se transformar em Guy Montag e alguns podem ser considerados Clarisse Maclellan. E nós, em qual nível estamos?

Relação de poder e surrealismo em DIno Buzzati

Ao falar de autores italianos, sempre nos vem à cabeça os mesmos autores: Dante, Ítalo Calvino, Umberto Eco e talvez um Pirandello, diferente de quando conversamos com alguém a respeito de autores franceses, por exemplo, que aparentemente são mais numerosos, mais influentes, ou seja, quando vamos falar de autores que influenciaram algum movimento literário, ou são referência para alguma obra, costumamos lembrar sempre de autores ingleses, franceses, alemães, deixando, na maioria das vezes, os italianos de lado, a não ser quando falamos de Camões e automaticamente lembramos dos sonetos de Petrarca ou da Divina Comedia para compará-la, sob alguns aspectos, com Os Lusíadas. Enfim, a quantidade de autores, que não italianos, são mais lembrados nas mais variadas ocasiões.

Alguns dizem - e nesses “alguns” eu incluo teóricos e professores – que muito do que foi feito, principalmente pelos franceses e ingleses, é uma espécie de adaptação de histórias nascidas em território italiano, das quais, por exemplo, Shakespeare teria se aproveitado para criar duas de suas principais obras: Hamlet e Romeu e Julieta, e que teriam ganhado popularidade não pela sua origem italiana, mas pelas suas adaptações ou produto de suas influências, por artistas de países mais expansivos e consequentemente populares e influentes como por exemplo a França, que fez a história de Pierrot ser mais conhecida pela sua variante do que pela original criação na Commedia dell’Arte italiana.

Isso se deve um pouco pelo fato de que, enquanto a França entrava em um processo expansionista com Napoleão, a Inglaterra com o seu processo de industrialização, a Itália lutava para conseguir se unificar. Isso se reflete profundamente em sua literatura, basta ler um dos principais livros italianos “I promessi sposi” (Os noivos – no Brasil) de Alessandro Manzoni, único representante do romantismo que, mesmo sendo romântico, não apresenta características desse movimento como por exemplo a idealização, que não cabia naquele momento, carente de transformações reais.

Fatos esses fazem com que alguns bons autores italianos sejam esquecidos pelo grande público leitor. Como aluno do curso de Letras e estudante de italiano vou no decorrer dos tempos comentando alguns autores interessantes.

Comecemos falando de um autor que teve sua obra por muito tempo comparada a de Franz Kafka, por conterem temas em comum como o escárnio e expressão de impotência enfrentada diante de um mundo incompreensível, podendo também ser comparado com as obras de Camus e Sartre. Em suas histórias há o predomínio do mágico, do inesperado, o leitor fica preso à história até o último momento à espera de saber o que vai acontecer, se acontecerá algo inexplicável, ou se acontecerá o mais comum, tudo fica suspenso até a última linha. Atrás da aparente leveza da narrativa de conto de fadas estão as importantes questões abordadas pelo autor. Seu nome é DINO BUZZATI.

Escreveu romances, peças de teatro, peças para rádio, livretos, poesia, contos, contos com animais fantásticos, vários relatos para jornais; escreveu um livro infantil e um livro de comédia; elaborou roteiros de cinema e artigos.

O conto “Sete andares” apresenta algumas características fantásticas. Sete andares conta a história de Giuseppe Corte, que ao chegar em uma cidade resolve procurar uma famosa clínica para se curar de uma doença. Logo de início, o edifício lhe causara boa impressão, lembrava muito um hotel. Ao entrar, passa por um consulta superficial e é encaminhado para o sétimo andar. O hospital abriga, de andar em andar, os casos leves da doença, progressivamente, até o primeiro, destinado aos moribundos.

A grande sacada do conto é que o protagonista vai sendo rebaixado de nível, portanto piorando progressivamente, sem que sua doença agrave, sem que ele mereça ser rebaixado por motivos de doença, cada vez que o rebaixam de degrau no hospital não o fazem por motivos lógicos, aliás, eles não agem de modo lógico no hospital; um paciente que é transferido para uma sala de cirurgia só porque seu quarto está com problemas, não pode ser submetido a uma cirurgia por esse fato. A analogia serve para ilustrar o que acontece no conto.

Podemos começar a análise do conto com a simbologia do número sete. Na cultura cristã, o algarismo sete corresponde a sete céus, sete sóis, sete esferas da antiga astrologia hermética: Sol, Lua, Mercúrio, Marte, Vênus, Júpiter e Saturno; as sete virtudes cristãs (as teologias: fé, esperança e caridade; as cardeais: força, temperança, justiça e prudência); os sete pecados capitais: orgulho, preguiça, inveja, cólera, luxúria, gula e avareza; os sete sacramentos: batismo, eucaristia, ordem, confirmação, casamento, penitência e extrema-unção; os sete dias da criação do mundo narrados no gênesis, sete tabernáculos e sete trombetas de Jericó; no Apocalipse temos os sete candelabros, sete estrelas, sete selos, sete cornos, sete pragas e sete raios. Pode ainda corresponder às cores do arco-íris, as sete notas da escala musical.

Além dessas várias interpretações acerca do número sete, Chevalier e Gheerbrant consideram que ele simboliza “os sete graus de perfeição”, e que se refere ao ciclo positivo de mudança.

Temos então no início da narrativa a junção do número sete (representando a mudança positiva), o fato de a clínica ser a melhor para se tratar aquele tipo de doença e o fato de Giuseppe apresentar um quadro leve, indicando que ele não precisaria de tantos cuidados. Esses fatos juntos levam o leitor a pensar que o desfecho será favorável, criando a expectativa de que ao entrar na clínica ele sairia completamente curado.

Essa expectativa se dá do início até o fim da narrativa e é reforçada pelo uso do narrador onisciente, distanciando-se dos juízos de valor acerca da doença de Giuseppe. Se o narrador fosse o próprio personagem poderia haver uma opinião tendenciosa em relação a sua própria doença, seria a sua opinião e nós leitores não teríamos como confrontá-la.

No entanto, essa expectativa vai sendo quebrada ao longo da narrativa na relação de oposição entre a vontade do indivíduo, ou seja, do próprio Giuseppe, e da instituição, ou seja, o hospital.

Desde o momento em que Giuseppe entra no hospital e vai para o sétimo andar o narrador faz questão de manter um distanciamento entre ele, que possui levemente uma doença, e os pacientes do primeiro andar, que já não tem mais salvação. Esse distanciamento serve para acentuar o impacto na inversão que ocorrerá na narrativa, seria um absurdo um homem que está apenas com uma leve febre ser colocado num andar com pessoas perto da morte, no entanto é isso que o desenrolar da história vai nos mostrando.

O comentário feito pelo personagem quando o enfermeiro lhe pede que se mude de quarto e de andar já mostra como o humor negro conduzirá a narrativa, pois, do mesmo modo que o leitor cria uma expectativa positiva em relação ao destino do personagem, o próprio personagem também cria uma expectativa positiva em relação ao seu destino. Quando ele diz: “- Será (...) - Mas parece-me de mau agoiro.”, já começa a intuir que algo poderá dar errado com a sua estadia no hospital.

Conforme Giuseppe vai sendo rebaixado seu ânimo vai piorando, como se ele fosse afetado pelo meio em que estava, sua doença vai piorando ao invés de melhorar, ele vai percebendo que não pode lutar contra uma estrutura tão bem organizada como a do hospital. Neste momento podemos perceber também a transição na postura de Giuseppe, no início ele tem uma postura firme e vai aos poucos passando para uma possível passividade, que será intercalada com momentos de contestação, que dão um tom de humor ao conto.

A todo o momento Giuseppe vai sendo convencido de que deve ir para um andar mais baixo do hospital e o leitor começa a perceber que o motivo de sua piora pode ser o próprio hospital, lugar calmo e tranqüilo mas que se apresenta de modo enlouquecedor e de certa forma engraçado. As pessoas não se ouvem e parecem não ouvir o paciente, dando a impressão de que algo está sendo escondido e de que há algo pretendido com o “rebaixamento” do paciente. Este, por sua vez, se vê preso em uma maluca estrutura organizacional como se fosse uma marionete, a mercê do controle autoritário do hospital.

Através dessa estrutura “surda” e enlouquecedora Giuseppe vai passando por todos os andares até que chega ao primeiro andar, aproximando-se do seu final, aproximando-se do final de sua “via crucis (...) que se encerra perto das três da tarde, suposto horário da morte de Cristo.”

Com esse desfecho, cômico e desesperador, Dino Buzzati quebra com tudo que poderia ser esperado no inicio da narrativa. Ele expõe o despreparo humano diante do inesperado, diante da confrontação e critica a passividade diante das injustiças.

O momento em que foi escrito o conto (1942) era propicio a esse tipo de crítica, Hitler, Mussolini e seus sistemas autoritários estavam ainda em plena forma, mesmo que alguns já conseguissem visualizar seu fim.

Do mesmo modo como Giuseppe foi conduzido ao seu fim, autoritariamente e sem explicação, manipulado pelos mandos e desmandos do hospital, a sociedade italiana, entre outras, também se viam presas a regimes autoritários que faziam o que bem entendiam com a população, essa sempre a acreditar que tudo poderia melhorar e que logo eles voltariam ao sétimo andar.

O conto é muito instigante e faz pensar sobre muitos aspectos da nossa própria realidade, o modo como às vezes somos conduzidos para o primeiro andar sem nem perceber. Vale a pena lê-lo.

Texto disponível no blog: http://cabana-on.com/Contos/Ficcao/ficcao28.html

Quer saber mais sobre o surrealismo e sobre outros contos de Dino Buzzati? Nesse link está disponível uma dissertação que detalha mais o autor: http://ebookbrowse.com/dissertacao-paula-parise-pinto-pdf-d50693543

Willy Wonka – Transtorno de personalidade e pecados capitais

Noite de terça feira e, apesar do cansaço e a vontade de dormir, acabo sentando em frente à TV. Mudando os canais vejo que o SBT está passando (pela 1000ª vez) “A fantástica fábrica de chocolate”. Novamente deixo meu medo dos Oompa-Loompas de lado e resolvo assistir ao filme.

Falar de Tim Burton e Johnny Depp é chover no molhado. Já está mais do que provado que a parceria entre os dois é um sucesso. A atmosfera criada por Tim Burton, não só nesse filme, como em outros de sua direção, é algo fantástico (com o perdão do trocadilho). Cenários surreais, cores em demasia e um mundo onírico. Johnny Depp não deixa pra trás e com suas interpretações dá vida aos personagens que estão na cabeça do Sr. Burton. A análise desses elementos e dessa parceria fica para uma próxima vez.

O que me deixou mais espantado nesse filme, algo que eu já tinha percebido outras vezes, que pode não ser novidade para ninguém, mas que dessa vez foi mais intensa a ponto de me levar a escrever essas inconsistências, foi o fato de que esse filme é algo tenebroso, que passa longe de ser um filme para criança ou engraçado no sentido pastelão zorra total ou comédia estilo Adam Sandler ou que vai te fazer relaxar e dar boas risadas. Seu humor, ou poderíamos dizer sarcasmo, é inteligente e incômodo.

Mas vamos ao que interessa. Porque transtornos psicológicos e pecados capitais? Se pensarmos na figura do personagem Willy Wonka.perceberemos a relação desses três “temas” e como elas aparecem no filme.

Como dono da fábrica de chocolates, resolve abrir um concurso para escolher uma criança para herdar seu patrimônio. Para isso, esconde tíquetes dourados em barras de chocolate escolhendo aleatoriamente os participantes do “teste”. São os participantes: Augustus Gloop, menino comilão, mal educado e desagradável que entra na disputa por comer muito chocolate, o que lhe deu mais chances de conseguir o tíquete, e por ter a oportunidade de comer mais e mais entrando na fábrica. Violet Beauregarde, campeã mascadora de chicletes, apresenta uma personalidade competitiva e arrogante entrando na disputa simplesmente pela competição e por querer ganhar a todo custo. Veruca Salt, garota rica, mimada que consegue tudo que quer, inclusive, através do poder aquisitivo do pai, um tíquete dourado. Mike Teevee, menino viciado em vídeo games e eletrônicos em geral. O último, mas não menos importante, Charlie Bucket, menino pobre e inteligente, que consegue com muita dificuldade e sorte encontrar um tíquete dourado, possibilitando a entrada de seu avô, que conhecia muitas histórias sobre a fábrica.

Com uma rápida análise dos personagens, podemos perceber que eles, exceto Charlie, apresentam vícios, desvios de conduta, que vão ser criticados pelas músicas cantadas pelos Oompa-Loompas, e vão ser castigados ao desobedecer as regras impostas por Willy Wonka. Cada personagem, com seu “defeito”, representa um pecado capital; o menino comilão representa a gula, a soberba é representada pela menina arrogante e orgulhosa, o apego aos bens materiais e o prazer material deixam Veruca Salt com dois pecados: avareza e luxúria; quem também pode representar dois pecados capitais é o menino Mike Teevee: ira e inveja.

Os personagens vão sendo eliminados do teste pelo abuso desses “pecados”, como se fossem expulsos do paraíso. Ao desobedecer as regras de Willy Wonka, recebem um castigo físico e moral. O primeiro personagem a ser eliminado é Augustus Gloop. A sua gula fez com que ele quebrasse a regra de não poder tocar no chocolate. Ao desobedecer a regra, o menino cai em um rio de chocolate, é sugado por uma máquina e Willy Wonka observa tudo tranquilamente enquanto os Oompa-Loompas cantam uma canção:

Augustus Gloop, o comilão, um grande bobo trapalhão. Augustus Gloop, tão grande e vil, desagradável e infantil. Já era tempo e sem engano, de expulsá-lo pelo cano. Mas não precisam se alarmar, porque não vai se machucar!, porque não vai se machucar! Nós temos que reconhecer, modificado deve ser. As engrenagens vão girar, pra triturar e martelar. O porcalhão descomunal vai ser amado, afinal, pois quem irá desmerecer um bom bocado de glacê?

Violet Beauregarde, com arrogância ignora o conselho dado por Willy e come um chicletes ainda em fase de testes que a transforma em uma amora gigante. Os Oompa-Loompas cantam novamente uma canção enquanto Willy Wonka parece não se importar.

Atenção, está no ar a senhorita Beauregarde, que não se cansa de ficar mastigando, mastigando, mastigando sem parar. Mastigando sem parar, mastigando sem parar, mastigando sem parar. A sua boca já inchou de tanto que ela mastigou, bochechas grandes como um sino, o queixo igual a um violino. Mastigando sem parar, mastigando sem parar, mastigando, mastigando, mastigando sem parar. A cada dia crescem mais mandíbulas fenomenais, e com um baita mordidão, ao meio a língua cortarão. Por isso a gente vai tentar salvar a pobre Beauregarde. Mastigando sem parar, mastigando sem parar, mastigando, mastigando, mastigando sem parar. Mastigando sem parar. Mastigando sem parar

Veruca Salt pede ao pai um esquilo da fábrica de chocolates. No entando, Willy Wonka não está disposto a vender, o que faz com que a menina esperneie pedindo ao pai, que por sua vez não tem muito a fazer diante da situação. Ela decide roubar um esquilo, mesmo contrariando Willy. O resultado é que ela é atacada por esses esquilos, sem que ninguém faça nada em uma cena um tanto quanto violenta. Logo depois há a canção feita especialmente para ela:

Veruca Salt, a sem-noção, desceu pra dentro do lixão. E lá embaixo vai achar amigos novos pra brincar. Amigos novos pra brincar, amigos novos pra brincar! Se quer exemplo, aqui vai um: cabeça e cauda de um atum; uma ostra de um pirão qualquer; um bife que ninguém mais quer; e outras coisas sem valor, mas todas com o seu fedor! Que fedor! É o que a Veruca vai achar: amigos novos pra brincar! Que lá embaixo, vai achar! Quem é culpado por mimar e a garota estragar? Quem é que não a educou? Quem é culpado? Quem errou? A culpa é de quem já vai: da sua mãe e do seu pai!!!

Mike Teevee é o último a ter seu castigo. Willy Wonka lhe mostra uma máquina que consegue “teletransportar” uma barra de chocolate de um lugar a outro. Mike, mostrando um comportamento acelerado e nervoso, invejando o invento de Wonka e desprezando o fato dele não querer explorar mais seu invento, aplicando-o aos seres humanos, resolve testar o equipamento em si mesmo, contrariando as instruções do inventor. A máquina possuía dois problemas: é unidirecional e todo corpo é diminuído nesse processo.

A coisa principal temos que dizer. A coisa principal que diz respeito a todo aprendiz é, nunca permitir só ver televisão. Evite mesmo instalar a idiotice no seu lar. Nunca, nunca deixe. Nunca, nunca deixe. Nunca, nunca deixe. Nunca, nunca deixe. A mente faz apodrecer e as idéias perecer. E ela vai te transformar num paspalhão bobão demais. Bobão demais! Bobão demais! Se não consegue entender e as fábulas compreender. As fábulas! As fábulas! E a memória supor e ser, travada, enferrujada até, não quer pensar, somente ver! E quanto ao Mikezinho Teavee, nós lamentamos lhes dizer, que lástima! Só vamos nos sentar e ver. Nós lamentamos lhes dizer, só vamos esperar e ver se ao seu tamanho vai voltar, mas se não der... bem-feito está!

Enquanto as crianças são punidas por seu desrespeito, Willy Wonka não esboça nenhuma reação de pena ou toma alguma atitude para ajudá-los mostrando uma certa satisfação ao ver o sofrimento alheio. Willy Wonka é um personagem extremamente sádico e irônico – tendo essa sua vertente irônica explorada com frequência pelos usuários do facebook através de sua imagem seguida de duas frases, uma questionando a outra em tom irônico. 

Esse sadismo é causado por um transtorno de personalidade que gera uma interpretação errônea de um estímulo externo, como acontece no momento de recepção das crianças em que o teatro criado pra recebê-las pega fogo. Não é uma cena magnífica como ele afirma ao final do teatro, é algo macabro e de mal gosto, no entanto, ele se mostra entusiasmado com o resultado trágico. Ao ver as crianças sendo castigadas, sua reação também não condiz com a de uma pessoa “normal".

Os problemas com o pai na infância certamente influenciaram a formação de seu caráter e no desenvolvimento desses transtornos psicológicos. Seu comportamento antissocial e a falta de qualquer tipo de intimidade e afeto com seres humanos é notado pelo seu comportamento esquivo e a falta de proximidade com os visitantes da fábrica. Ele somente consegue criar uma proximidade com Charlie, vencedor do teste, que se nega a abandonar a família para se tornar dono da fábrica. Willy por várias vezes no filme relembra seu passado através de atitudes de Charlie, sendo que ele é quem o liga ao passado e faz com que ele consiga lidar com os problemas do presente.

Charlie não sofre nenhum castigo e por sua humildade acaba vencendo a gincana proposta por Willy. No final das contas há uma espécie de moral da história, os bons e humildes vencem, enquanto os pecadores, os arrogantes e os desrespeitosos são punidos para aprenderem a lição. Isso não desmerece a obra em si, mas pode ser levada para o lado da moral religiosa. Algo parecido ocorre com “Auto da barca do inferno” de Gil Vicente, em que a barca do Inferno vai lotada de personagens pecadores que, mesmo depois de mortos, não se arrependem do que fizeram em vida. Ambas podem ser encaradas como obras de tom moralizante.

O intuito do texto não é explorar nem se estender em conceitos referentes à psicologia, mas analisar elementos que se relacionam dentro de uma obra de uma maneira simples e acessível a quem quiser ver o filme não só como entretenimento, mas como objeto de reflexão e aprendizado.

FELIZ DIA DAS MÃES ROGER WATERS

Nesse dia em que os filhos se lembram de suas mães, os presentes são dados, os restaurantes estão cheios e as homenagens são feitas, vale a pena lembrar de uma das mães mais famosas do rock: a mãe de Roger Waters. No entanto, a homenagem feita à senhora Mary Fletcher Waters não foi tão romântica assim.

Após a morte de seu pai, na Segunda Guerra Mundial, Roger Waters, com apenas cinco meses, passa a viver somente com sua mãe superprotetora, e a falta da figura paterna desencadeia uma série de transtornos em sua personalidade, como podemos perceber no problemático e sombrio personagem Pink criado por ele para a ópera rock “The Wall”.

A mãe criada por Waters nada tem a ver com aquela mãe idealizada, romântica; a mãe criada por ele é uma mãe que o protege em uma realidade de autoproteção, castração e medo, afastando-o dos perigos que um dia, sozinho, terá que enfrentar. No clipe acima podemos perceber que, mesmo adulto e teoricamente consciente dos seus atos e há algum tempo já desvencilhado das amarras maternas, Pink ainda não consegue pular o muro construído à sua volta pela própria mãe.

A música, baseada no jogo de perguntas, estabelecendo um diálogo entre Pink e sua mãe, mostra a insegurança do filho em relação às angústias da vida, em relação a que caminho tomar, já que até então todos os caminhos haviam sido tomados por ela. Percebemos essa insegurança nos primeiros versos da música: Mother, do you think they'll drop the bomb?/Mother, do you think they'll like this song?/Mother, do you think they'll try to break my balls?/Mother, should I build the wall?/Mother, should I run for president?/Mother, should I trust the government?/Mother, will they put me in the firing line?/Is it just a waste of time?.

A fala da mãe, no entanto, não responde às suas angústias, não responde às perguntas feitas por Pink, por talvez julgar que elas não devam ser ditas a ele a fim de protegê-lo, a fim de lhe esconder as verdadeiras respostas. Nessa intenção protetora, ela coloca mais um tijolo no muro em volta de Pink.

A segunda parte da música revela a parte mais interessante da relação de Pink com sua mãe e é nesse momento que a teoria psicanalítica entra. Quando Pink diz “Mother, do you think she's good enough/For me?/Mother, do you think she's dangerous/To me?/Mother will she tear your little boy apart?/Mother, will she break my heart?, podemos pensar na teoria desenvolvida por Freud do “Complexo de Édipo”, que se caracteriza pelo sentimento contraditório de amor à figura materna e hostilidade à figura paterna.

Tal teoria foi desenvolvida por Freud tem como base o personagem principal de “Rei - Édipo”, tragédia grega escrita por Sófocles. Na tragédia, Édipo, sem saber o que fazia, mata seu pai Laio e casa-se com sua mãe Jocasta. Ao descobrir o acontecido, fura os próprios olhos numa atitude auto-punitiva.

Ao se desenvolver, a criança começando a reconhecer-se como sujeito separado de seus pais, encontra no pai a figura da ordem e na mãe a figura de uma espécie de “primeiro amor” e de proteção. Ao perceber que a mãe pertence ao pai, desenvolve-se uma certa hostilidade a ele. O fato de Pink crescer sem o pai gera um duplo sentimento de contradição em relação à mãe, ele não a disputa com ninguém, mas também não pode obtê-la.

Freud ainda dizia que na impossibilidade de se relacionar com a mãe – ou com o pai, no caso das meninas – o indivíduo passa a vida toda, mesmo que de forma inconsciente, buscando um parceiro que possua as características dos pais. Pink, novamente inseguro, só que dessa vez em relação ao relacionamento, busca na mãe a aprovação de seus pares, como percebemos no trecho acima. É como se a mãe tivesse que aprovar alguém a sua altura para poder relacionar-se com o filho, porém, quem busca a aprovação em si mesmo das pretendentes é o próprio Pink. O resultado é que ele não consegue levar seu relacionamento adiante pela impossibilidade de encontrar a própria mãe e pela castração que isso lhe causa.

É claro que o caso de Roger Waters exteriorizado na forma do personagem Pink é carregado de sentimentos exagerados, e não no sentido negativo do exagero, mas no sentido de perceber algo que acaba sendo recorrente na maioria das mães e que só percebemos se for arregaçado em nossa frente. A proteção é algo natural, saudável e importante para o ser humano, a crítica aqui fica por conta das mães que não entendem que em um determinado momento da vida seu bebê cresce e começa a andar com as próprias pernas, se tornando um comportamento doentio de superproteção.

Ainda dá tempo, dê um abraço na sua mãe, afinal, “Momma's gonna keep baby healthy and clean”

Gavetas

Adoro mexer em gavetas bagunçadas. Procurar o que não acho e encontrar o que não quero (espero). Encontrar lembranças esquecidas guardadas em meio a bagunça e desarrumação. Infância e juventude se misturam num mesmo espaço no universo. Chaveiros, fotos, bilhetes, brinquedos, escritos, recados não lidos, tampas, canetas, cd, dvd, fita, agenda, gaveta, incenso, borracha, amigos, pedidos esquecidos, anéis, camiseta, diploma, bicicleta. Na gaveta encontro de tudo, mas, o que eu procurava mesmo?